人物画

简介

随着计算机数字技术的发展，电脑软件功能的日益成熟，在一些数字化画图软件带动下，人物画技术已经进入无所不能，创造奇迹的时代。让人物画飞跃发展的代表软件Adobe Photoshop也已应用在很多领域，让大面积破损，模糊不清的黑白人物画，回复到高清晰彩色的人物画。现代数字人物画技术已广受大众喜爱，很多人把重画好的肖像照片送给老人，亲朋好友当礼物。数字人物画已经成为一种时尚。

引证解释

宋 苏轼《子由新修汝州龙兴寺吴画壁》诗：“丹青久蓺,人物尤难到今世。”

清 王士禛《池北偶谈·谈异七·西洋画》：“西洋所制玻瓈等器，多奇巧，曾见其所画人物，视之初不辨头目手足，以镜照之，即眉目宛然姣好。”

清 陈其元《庸闲斋笔记·作官须明公罪私罪》：“门前有一大池，冬日涸水，取鱼于池底，起得四五寸土偶万计，人马戈甲，雕镂精绝，俨然如生…然水中之土何以能结成人物，岂亦化工为之耶？”

历史发展

简介

人物画(英文：Figure painting)的产生早于其他中国画科。在周代即有劝善戒恶的历史人物壁画。至战国秦汉，以历史现实或神话中人物故事和人物活动为题材的作品大量涌现。

快速发展

战国楚墓出土的《人物龙凤》与《人物驭龙》帛画是已知最早的独幅人物画作品。到了汉代，人物画发展已经基本成熟。在人物画的创作上，不仅有造型准的画像，还有以形传神和夸张、变形的作品。许多画像，都具有鲜明的写意性。魏晋时期，思想的解放，佛教的传入，玄学的风行，专业画家队伍的确立，促成人物画由略而精，宗教画尤为兴盛，出现了以顾恺之为代表的第一批人物画大师，也出现了以《魏晋胜流画赞》、《论画》为代表的第一批人物画论，奠立了中国人物画的重要传统。盛唐时期吴道子则把人物宗教画推进到更富于表现力、也更生动感人的新境地。五代两宋是中国人物画深入发展的时期。随着宫廷画院的兴办，工笔重着色人物画更趋精美，又随着文人画的兴起，民间稿本被李公麟提高为一种被称为白描的绘画样式。宋代城乡经济的发展，宋与金的斗争，社会风俗画和具有现实意义的历史故事画亦蓬勃发展。张择端的杰作《清明上河图》便产生于这一时期。自南宋受禅宗思想影响，梁楷的泼墨、简笔写意人物画，标志着写意人物画肇兴，中国人物画开始朝另一方向发展。仕女画、高士画大量出现。之后，明末的陈洪绶、清末的任颐都创作了不少人物画的优秀作品。现代的中国人物画，深入研究传统，广泛吸收外来技巧，表现新的时代生活，作出了前无古人的贡献。

传统特点

中国人物画家主张：以形写神、形神兼备。紧紧抓住有利于传神的眼神、手势、身姿与重要细节，强调分别主次，有详有略，详于传情的面部手势而略于衣冠，详于人物活动及其顾盼呼应而略于环境描写。在人物活动与环境景物的关系上，抒情性的作品往往借创造意境氛围烘托人物情态，叙事性的作品在采取横幅或长卷构图中，尤善于以环境景物或室内陈设划分空间，采用主体人物重复出现的方法，把发生在时间过程中的事件一一铺叙，突破了统一时空的局限。人物画中使用的笔墨技巧与技法，在工笔设色、白描和小写意作品中，更重视笔法的基干作用，为此创造了十八描。笔法或描法一方面服从于形象的结构质感、量感与神情，另方面也要传达作者的感情，同时还用以体现作者的个人风格。在写意人物画中，笔墨相互为用，笔中有墨，墨中有笔，一笔落纸，既要状物传神，又要抒情达意，还要显现个人风格，其难易程度远胜于山水花鸟画。被称为行乐图的人物肖像画，一律把人物置于最易展现其气质品格的特定景物中，具有不同于一般肖像画的特点。在色彩使用与诗书画印的结合上 ，人物画具有一般中国画的特色。

在中国传统绘画中，肖像画与人物画的创作客体都是人，都以客观存在的人物作为观察对象和创作素材。但是，在转化为艺术形象时，肖像画有着比人物画更为现实而具体的要求。首选，肖像画讲求真实性。肖像画描绘的必须是客观存在的、具体的、特定的某个人，是在现实生活中或历史上实际存在的真人。而人物画则可通过概括、综合甚至想象，创作出非特定的、类型化的甚至虚构的人物形象。中国古代肖像画人十分重视“实有其人”，古时称肖像画为“写真”、“写照”、“写影”。许多论述肖像画的理论也把观察和刻画真实人物作为创作的出发点。如东晋·顾恺之“实对”理论，南齐·谢赫“应物象形”概念，宋·苏轼“灯下取影”，元·王铎“写像秘诀”，清·蒋骥“以远取神”方法。肖像画的社会功能、作用主要为真人写貌留影，再现客观现实，发挥认识功能，同时作为纪念、供奉、鉴戒的图像，达到教化目的。唐·张彦远在《历代名画记》中指出：“以忠以孝，尽在于云台。有烈有勋，皆登于麟阁。见善足以戒恶，见恶足以思贤。留乎形容，式昭盛德之事。具其成败，以传既往之踪。”肖像画要求“外形酷似”。

基本技法

综述

人物画基本技法：无论中外，在早期绘画的发展史上，都以人物画为主，而且都为宗教或政治服务。从续发掘的古代帛画或壁画中，可以见到古代的帝王、功臣、圣贤或文人们的面貌，有浓厚的政教功能，也有古人信奉的佛、菩萨、罗汉等释道人物，甚至更早的神话传说，充满的神秘的宗教色彩，尚可见到描写现实生活百态的风俗画、表现宫廷唯美趣味的仕女画及戏曲中的人物故事画等，各种不同形式与题材的人物画，都有细致的感情描写和惟妙惟肖的形象刻画，给观赏者带来深刻的美感。

综观中国古代人物画，在表现的技法上大致可分成三类，一为白描画法。二为工笔重彩画法。三为写意画法（简笔画法），兹分别简述如下：

白描法

白描画法是人类最早，最简洁的绘画表现形式，我国古代称为“

白画”，也有人称为“线描”。线描，又称自描。它是运用线条的浓淡，粗细、方圆、转折变化和用笔的轻重、快慢、提按、顿挫等艺术手法，来描绘物体的结构、质量感、空间感，并采用聚散、疏密、虚实、强弱等线描形式因素获得形神，从而传达作者感受的一种艺术形式。白描，作为一种独立的画种既是中国画造型的主要手段和形式，也是学习中国人物画重要的基础。如战国楚墓出土的两幅我国最早的帛画，即以白描画法表现，早期的白描画，其线描技法以均匀流畅的线条为主，到了唐朝吴道子，才能把白描线条发展到有粗细轻重的变化，能生动的表现衣褶的动感与厚度感。北宋画家李公麟可称是白描画法得代表性人物，下图是李公麟的“维膜演教图”，把线条的特色，发挥到最完美的境界。

到了明嘉庆年间，邹得中总括前人丰富的创作经验，在其著作“绘画发蒙”中，提了“十八描”的说法，这十八种描法是指：1.行云流水描2.高古游丝描3.铁丝描4.柳叶描5.琴弦描6.蚂蝗描7.混描8.橛头钉描9.曹衣描10.钉头鼠尾描11.折芦描12.减笔描13.战笔水纹描14.竹叶描15.橄榄描16.蚯蚓描17.枣核苗18.枯柴描。

以上十八种描法是古人根据当时的服装（大都是宽袍大袖）领略出，有些是唐朝以前就可以见到，有些则是后来逐渐添加的，然而这十八描并不是包罗前人所有的描法，也有人主张简化为五种，或合并为三大类。擅长白描人物的当代画家董梦梅先生则指出：十八是以线条描法的形状命名，并不妥当。他针对用笔的方法，提出了“用笔十法”，即1.悬针笔法2.抽丝笔法3.自由笔法4.铁丝笔法5.来无影去无踪（双尖笔法）6.连接比法7.拖拉笔法8.擅斗笔法9.跳跃笔法10.倒插笔法.以上懂梦梅先生细分的十种用笔方法，有些也适用于白描花鸟画中。

工笔重彩

工笔重彩画法是一种造型工整细致，色彩浓艳而略带装饰性的画法，如晚唐周的簪花仕女图即为典型的作品画工笔重彩法适宜使用熟纸或绢，通常可分成六个步骤：

起稿：先用铅笔或炭笔在稿纸上将人物造型画正确，修改完美后将画纸蒙在上面覆描。

钩线：钩线有两种方法，一种称为钩勒法，就是先用淡墨钩出轮廓线，着色后再用重墨或重颜色把主要线条重复钩勒一次，这种方法不怕着色时把原来的线条遮盖，画起来较方便另一种称为钩填法，就是用浓淡墨色把线条钩好的轮廓里面，不可将颜色盖住墨线，这种方法钩出来的线条流畅，但填色较费工夫。

分染底色：为了表现面部和衣褶的凹凸起伏变化，在暗处先分染一次重色，面部可以用赭色分染，方法是手着两支笔，一支笔笔蘸赭石，一支笔蘸清水，先用颜色笔局部染色，即用清水笔推开仕女的面颊可先用洋红分染。

着色：传统仕女的着色法近似京剧人物的化装，称为三白法，即额鼻和下颚三部分晕白粉眼眶和面颊用色比较夸张，多用洋红朱膘藤黄，调少许白粉男子的脸用赭石朱膘和藤黄，加少许白粉。

罩色：在渲染和着色之后，为了使色调统一或补救某些不协调的部分，如脸部常用淡赭石平涂一或两遍。

提色：在最后完成之前对重点部分再作加工，如眼睛口角或鼻等，使其更为突出画仕女面部在三白的部分再加白粉，有时可从纸的背后托染白粉，以加强面部的粉的粉白效果，一般常用于工笔重彩人物画的染色法有：罩（平涂色）窄染（窄小范围的分染）宽染接染叠染掏染（染背景底色而预留出前面人物）染（染儿童或妇女面颊，着色时旋转用笔，使颜色逐渐变淡变无，又不留笔痕）。

写意画法

五代石恪的“二祖调心图”即以狂草的笔意，画出深具禅意的作品，到了南宋的画家梁楷发展减笔人物画，开拓新风气，而且创造了大笔泼墨法，成为写意人物画的代表性画家，其作品“泼墨仙人图”、“李太白行吟图”等皆运用豪放而简洁的笔墨，生动的表现出人物的神韵。近代自扬州八怪以来，也有不少擅长水墨写意人物画的画家，逐渐形成中国人物画的一个主要潮流。

画写意人物宜选用生纸，通常先以炭笔在画纸上轻轻钩画轮廓（如已熟练，则不必用炭笔钩轮廓），然后蘸墨先画主要的线，涂上大的墨色面逐渐加重，再画次要的线与色面，尽量避免用琐碎的笔墨，以免破坏整体统一。

在生纸上作画，一但失败了就很难修改，故用笔用墨时，必须考虑整体的调和该强调的地方（如眼睛）必须画得传神。用墨画后，再上产色，着色燎应慎重，依据人物的结构、明暗的关系来表达彩色，才能增加色彩的变化，活生生地反映人物的精神和表情。

变革

传统国画讲究意在笔先，即常说的“胸有成竹”，画家创作往往是凭主观印象，因此不太在意形象外貌的真实，而刻追求神似。虽然我国传统绘画在人物比例方面也有一些规则，如“立七、坐五、盘三半”和“三庭五眼”，但总体来看人物画在外形方面是失真的，不像西方绘画造型科学严谨，当然有文化观念的差别。再有中国传统人物画中的群像比例是以身份和等级来确定的，例如群像中的皇帝又高又大，而身边的侍从又矮又小，从审美角度来看是很不舒服的。现代和当代人物画造型大多取法于西方绘画，以模特写生为主要造型方法，有意表现人物的真实效果，注意个体和总体比例关系，这也说明了传统艺术的大趋势。现代人物画家蒋兆和首先将西画造型方法用于人物创作，当代实力派画家吴玉阳则把写实油画和水彩画的技巧引入到工笔人物画的创作。

隋唐时期

从隋代到唐代（公元581--公元907年），中国绘画艺术逐渐进入繁荣昌盛阶段。隋代有承前启后的作用，唐代逐渐形成自己风格，人物画取得辉煌成就，山水、花鸟画也相继成熟。画坛涌现出很多名家，各有特色。唐代中期是中国绘画发展史上一个空前繁盛的时代，也是一个出现全新风格的时代，宗教绘画更向世俗化转变，题材内容转向当时的重大政治事件。不同地区的画法融合，中原风格和西域风格相互影响，产生了很受欢迎的新样式。以阎立本为代表的中原作风的人物肖像画，继承了南北朝（公元420--公元581年）杨子华和张僧繇的传统，在把握人物造型和气质上有所发展，用笔概括，颜色典雅。把肥胖当时尚的现实妇女进入画面，以吴道子、张萱为代表的人物仕女画，从唐代初期的政治事件描绘转向描写日常生活，造型更加准确生动，在心理刻画与细节的描写上超过了前代的画家。

唐中晚期

唐代中晚期的绘画，一方面完善唐代中期的风格，另一方面又开拓了新的领域。五代时期（公元907--公元960年），人物画的题材内容逐渐宽泛，宗教神话、历史故事、文人生活等都成为描绘的主题。画家注重人物神情和心理的描写，传神写照的能力又有提高。在技法风格上向两大方向发展：工笔设色用笔更加多变，色调比唐代有所丰富；水墨画法除了变形发展以外，还出现了水墨写意的画法。

北宋时期

北宋（公元960--公元1127年）继承了五代西蜀和南唐的旧制度，刚刚建国，就在宫廷中设立了“翰林书画院”，对宋代绘画的发展起到了一定的推动作用，培养和教育了大批的绘画人才。徽宗皇帝赵佶时期的画院逐渐成熟，天下的画家可以通过考试入宫做官，这是中国历史上宫廷绘画最兴盛的时期。北宋人物画的主要成就表现在宗教绘画、人物肖像画、人物故事画和风俗画的创作上，武宗元、张择端都是人物画家中的卓越人物。

南宋时期

南宋时期（公元1127--公元1279年）的著名人物画家有李唐、萧照、苏汉臣等，他们的人物画创作，很多都与当时政治斗争形势有关，很多选择历史故事和现实题材，梁楷的减笔人物画更是为发展写意人物画作出了卓绝的贡献。风俗画的发展是随着宋代城市经济的发展和市民文艺创作的复兴兴起的，反映的社会面广，人物阶层丰富。著名画家燕文贵的《七夕夜市图》、张择端的《清明上河图》等，都是描写城市生活的名作。毛文昌、陈坦等画家描绘农村生活习俗很多。

由于北宋统治者对于道教的重视，人物壁画的创作得到了很大的发展，宫廷组织了多次创作活动，王霭、武宗元、王拙、孙梦卿、赵光辅、孙知微等人都是高手。但随着寺庙的破坏，这些人的作品已经不容易见到，但是可以从敦煌的宋代洞窟看到宋代宗教壁画的风格。肖像画的突出成就表现在宫廷写实高手和民间写真画师的活跃，人物故事画和风俗画的发展达到了相当的高度。李唐的《采薇图》和《晋文公复国图》都含有深刻的寓意，可以说表达了某种政治宣传的需要，他的学生萧照创作的《中兴瑞应图》、《光武渡河图》等都是借鉴古代的历史故事为皇帝歌功颂德的。刘松年的《中兴四将图》描绘的是岳飞等抗金名将，是现实题材的典范。

浅淡色彩

基本概述

只有掌握色彩构成三要素及它们之间的相互关系，并由此产生的色彩冷暖、明暗、强弱之对比调色规律，并将这些规律应用到装饰人物画创作设计中的色彩上来，才能最大限度发挥色彩的装饰作用。装饰人物画要求富于装饰性，它突破了自然主义的描摹，不把固定的色彩和环境色看的太死，色彩的归纳、置换完全从于画面的需要，并按设计者个人主观意念和激情去处理色彩，这就使装饰人物画中的用色大胆明丽，对比和谐美妙，同时又不断地从传统文化及外来文化吸取营养，这就更丰富了人物画的色彩表现，并使它具有浓郁的装饰风格，对于装饰人物色彩应用我们还得从两方面谈。

写生色彩

写生色彩：一般指按色彩的自然的规律，依照客观对象为依据。以反映对象的真实色彩为前提的写实性表现手法。

写生色彩重视对象的固有色和环境色之间的相互关系，以及光源变化下对这种色彩关系的影响与作用。只有仔细观察认真分析；充分理解认识色彩的原理把握住对对象色彩第一感觉，才能真实地自然地准确生动地用色彩去表现对象塑造对象。

装饰色彩

装饰色彩：以写生为基础把自然色彩加以强化变换和转移摆脱对自然色彩关系的依赖，带上作者的主观意愿和感情，以理想化的手法和浪漫的情调去自由运用色彩这就是装饰色彩。装饰色彩化了真实性逼真感，强调了个性化的色彩认识与感受，加强色彩的设计意识和认识意义。这一切都基于装饰人物画的地与图的色彩需要及装饰形象的塑造的色彩需要，由此去寻找最美的色彩因素与色彩关系，去重新组合再创造，人为的营造出一个煽情的色彩的氛围，以此去刺激亢奋的崇高情绪，使色彩表现成为装饰画有机的统一体。从而达到完美的装饰效果。对装饰色彩研究我们不妨再从色彩对生理精神方面，可作以下相关的色彩归纳。

高明度调和色调

高明度纯度低的配色，色彩可以失同类色，邻近色或对比色，这种配色失画面产生明亮、轻快、柔合的色彩感觉。

明度合色调

明度中低、纯度低的配色不限。这种配色均产中间灰调，这种调色感不强缺乏力度。应用于画面时可适当点以纯度高的小色块加以对比提醒，以此增加画面的活力之感。明度低纯度高的色相不限，以配色可产生浓重暗色调合调。给人沉静庄重感，画面用这种色调时若在局部置以高明度的色块予以对比，可增加画面的生气与跳跃感。

色调

色相以冷色区为主的配色在画面冷色调气氛中亦可适量暖色出现，即不破坏画面的冷色调又可增加色彩的丰富感，冷色调给人以宁静、平和、神秘的感觉。

色调

色相以暖色为主，在暖色调中亦可有适量的冷色调，可丰富画面的色彩表现力。暖色调的画面可给人以热情、亮丽、温暖、充满激情与活力。

比色调

色彩的对比色调最丰富，最具有感染力的色彩效果。对比色调在具体中可分别为：明度对比、纯度对比、色相对比、冷暖对比、亦可综合对比。不论应用哪一种色调都能完成一幅漂亮的人物装饰画，如果用色不当，就不可能画出一幅好的作品。所以，在应用色彩时还需注意以下几点：

协调统一

这是任何一个画种都应首先考虑的最基本的问题之一。是成就一幅完美画面的关键。只有掌握了写生色彩与装饰色彩的关系，掌握了一整套的装饰色彩理论，注意色彩搭配的协调与统一，对色彩的运用上你才能融会贯通，灵活自如，好的作品便不断的滚滚而来。

装饰画的色彩怎样达到协调与统一

首先，在服从环境装饰，工艺制作以及题材内容的前提下，先确定一种色彩或一种暖色，如是暖色，也应确定是黄、是橙、是红，确定的这种色彩（包括与相近的色彩）的面积应占总画面至少60%、70%以及80%或更多的比例，或整个画面都控制在这种色彩气氛之下，才能取得色调协调统一。

装饰画和装饰设计中也有用两种色彩或两种以上色彩平分画面保的情况，造成极强的图案性，也是很好的，但也要求有统一的感觉（借助构图、造型和色彩的均衡等手法）。

为取得色调的协调统一，不要求色彩限制，即用色不要太多，要简练，即使用色丰富的装饰画，从效果上看，第一印象也要给人以简练的感觉。在简练的前提下，包含着丰富的细部变化，否则，难以达到色调的协调与统一。

适当应用“补救色”。在装饰画创作中黑、白、灰、金、银色这些被称之为极色的淡色，属于色彩系色彩。补救色和任何颜色在一起都在两个不协调的颜色中间。用以上五色中的任何颜色在一起或色块一界（隔开一点）就立刻变的协调统一，能协调、能统一、如黑能增进邻近暖色之暖，白色能减弱邻近暖色之暖，反之冷色近于黑，就失去光明，邻近于白则增进光辉。金银色设计中起点缀和中和作用，但使用时要惜墨如金；滥用，也可化高贵为低俗。